刘怀勇-大画家网

书画用印，始为印记，实证也。宋元以后文人画兴起，印就成了画面的一个重要组成部分。大凡具有较深造诣的书画家，都相应的知道如何用印，如何用的巧妙，以及如何用印去补救画面。其实，用印是一个不大不小的学问。

时下书画家满街跑，我见过不少人在用印方面不讲究，诸如印工拙劣、款印不合、画蛇添足，更有甚者连押印的基本常识也不懂，下面垫一块软橡胶之类的东西，蘸一些非专业的印泥，一边用力下押、一边前后左右摇晃，印出的感觉就象被人踩过的面包，真把印给糟塌了。

下面简要的谈一下用印的常识：

一、选印：书画用印，务求与自己作品的风格面貌相吻合，反差不能太大。如：细朱文不宜押在国画的大写意或书法的狂草里面。反之，雄浑粗旷的印文放在文秀隽雅的书画作品中也不协调；其二，所选印章一定为石质，其他材料不宜入画；其三，刻工务求上乘，应与书画作品的水平相齐或高于书画作品，从而锦上添花；其四，印的大小、虚实、朱白印文的选择应依据画面的需求，“量力而行”，做到大印不跳、小印不浮。

二、印与款：署名之印用的最多亦最为重要，切不可马虎随意，一般意义上来讲，印不应大于款。印大，就碍眼，就向外跳。另外，单印不计朱白，双印须朱白合用。

三、闲印：所谓“闲印”，其实不闲。画面中的每一方印都在起着点晴、补救、呼应、相承的作用。一幅自身完整的作品，无论书法绘画，印章的应用都该慎之又慎，或虚或实，不可多用。闲印只是在画面需要补救的时候，有意识的加强画面某一块面的份量，或有意识的增加画面的装饰效果，有的放矢，才能达到锦上添花的作用。时下有好多人热衷于在书法作品上大押其印，给观者增加了一些杂乱的感觉，破坏了书法流畅的气韵之美。况且印文与书作又无联系，纯属“闲印”，似不可学。

四、印泥：书画印泥不同于办公室所用的印泥，其区别在于办公印泥油大色艳，押到宣纸上油渍四溢，色浮易俗。书画印泥是工艺非常复杂的特制品，以杭州的“西冷”、漳州的“八宝”印泥为佳。印泥色彩的选择应视作品的色调而择取，朱砂适宜于书法，朱膘适宜于国画。其他诸如黑白黄赭之类的新兴印泥更需慎用。总之，印泥的正确使用应是色彩明亮而又沉稳，感官温润而不油腻。押出来的印蜕要求画面清淅，色泽饱满而无油渍。

五、押印：押印是非常讲究的活儿，古人押印有特制的“印规”，可以在同一位置上重复叠押，打出的印痕可以成凸状。色彩丰润、饱满、厚重。现在好多人都不知“印规”为何物了，但押印还需讲究一些：其一，每次用印完毕，清理印面的油垢，以备下次使用；其二，打印泥。右手拿印、左手拿印盒，使印在印盒中旋转打粘（边打边粘），印泥始终为球状。如此，印泥的油才不会溢出，油和泥才会均匀的粘附到印面之上；其三，押印，在台平之上、画面之下垫一本书或类似其他平整的东西，直压。万不可垫软塑胶或在毛毡上直接押印，亦不可在押印的同时前后晃荡，那样会失去篆刻本来的面目。

总而言之，画面统一协调是美的基础，印章是其中的一分子，只有有机的配合才能相得益彰，锦上添花。

刘怀勇

2001年12月31日 于煮墨山房

●  天分高，后天勤，学养厚，人格正。是我评判一个画家的四项基本条件。

●  正大、圆融、深邃、自然。是我的美学追求，亦是我渐趋成熟的美学体系。

●  扬长补短，“技”与“道”双修。是我的教学方法，亦是我的学习方法。

●  中国画的教学，最忌停滞在单一“技”的层面，尤其单打一的小狗、小猫，梅花、牡丹、大虾之类，束人思想与手脚，误人子弟。正确的教学方法应该是启发式的“开智慧之门”，并不拘于某家某派，以大的艺术规律为导向，着重于语言与形式的分析，着重于“技”与“道”的双修，着重于观念与时代的同步。一以贯之，触类旁通，从真正意义上进入中国画玄冥而幽深的堂奥之境。

●  中国画比功夫，不论天、不论年，比课时、比“费纸三千”的韧性。悟性再好，没有一千张画作底，很难登堂入室。

●  我们搞局部临摹，要解决两个问题：一是物象的结构关系；二是笔墨的结构关系。这两种关系，就是中国画的语言。

●  用墨之道，要先洗净毛笔，然后在笔尖蘸浓墨。落笔之后，要一笔用尽，画完。要学会在纸上调锋，在纸上调色，在纸上调墨。

● “技进乎道”，“书写”永远是中国画的生命。

●  写生，不只是“采风”，而是灵与肉的亲和。

●  毛笔不能当拖把用。用笔一定要有轻重提按，要一波三折，要表现圆融。不要画“徒手线”。只要毛笔落在纸上，就得落笔成形、落墨成趣，笔墨成章。无此三者，“下笔有神”是达不到的。

●  中国画讲究书写性，即上一笔与下一笔之间是有“联觉”的。笔墨的提按转折与结构有关系。

●  大写意同样需要细腻，在点线的形质上要求更高。大胆，果决，到位。

●  险绝的笔墨气象可以营造一个相对独立的视觉空间。

●  中国画的用笔像老牛耕地，把底土翻出来，沉着有力。点、线要力透纸背，斩钉截铁，做到入木三分，笔能扛鼎。要注意点、线的形质。

●  用笔之道，要干而不燥，湿而不滞，宜快中求慢，所谓书法用笔，莫不如此。轻重徐疾，提按顿挫， 干湿燥润，融千笔万笔于一笔，此中国画“一笔画”是也。

●  不管用色用墨，只要是写意画，一定要有“浓淡干湿”四个字。

●  既分又合的八种笔墨关系是：皴擦点染，干湿浓淡。

●  用笔一定要有提按。光滑的东西帅气，但漂浮；毛的东西则气古而味厚。只毛不爽也不行，要有对比。

●  没有对比，就没有画面。

●  构图是一种学养，更是一种智慧，所以不可以教授。非志士高人，巨可言妙也。

●  点、线、面，黑、白、灰，是画面的大关系；皴擦点染，浓淡干湿，提按顿挫，轻重徐疾，是画面的小关系。取其一而成画者，匠也，化而为一者，家也。

●  用笔要做到：毛而不散，干而不燥，湿而不烂，快而不滑，慢而不滞。

●  中国画每一笔都要留白。它不讲究立体感，不讲究光，讲究心里空间的“厚”。

●  尖、圆、齐、健，是毛笔的四德亦是毛笔的四大功用。只取其一，身单力薄。合而用之，其妙无穷。

●  笔落在纸上，哪怕是一横，一点，都有一个起、承、转、合的关系，都是一个生命的“完成式”。

●  虽用枯笔，力是要送到底的。做到有形、有性。

●  单线是轮廓，复线是结构。轮廓是为结构服务的。轮廓线不宜画的太长，不要先把轮廓画好了，再往里面填东西。要从内里向外画，“先填馅，后包皮”，从里面画起，最后勾线。

●  中国画的线是有生命的线，是鲜活的。把它画出生命意味来了，才是高级的。

●  石涛讲的“一笔画”，从浓到淡，从干到湿，其气息是相连的。

●  纤细是种毛病。纤细会弱。再细，也要绵劲有力。再细也要有提按。

●  曲线才能产生美。曲中求直，是中国画的辩证美学。

●  山水画的上色至少三遍，即厚又透明是为得法。用色之妙，宜随调随用。

●  借鉴。 我只借你的镜子，但反照自我。借鉴可以，但不要丢失自我。

●  你自己要尽早设定一个“核”（主功专业），以核为圆心，以认知为半径，圈定自己的学习范围，努力使这个核不断壮大。

●  你自己要尽早设定一个“点”（生活），以点为支撑，以专业为杠杆，努力使这个点不断牢固、增高，同时延伸你的专业杠杆。

●  你自己要尽早设订一个“风格”（审美取向），以“风格”为灯塔，以借鉴与思辨为途径，渐习渐深，不断修正，努力使这个“风格”走向成熟。

●  中国画家靠的是修为。文人画是“养”出来的，“玩”出来的，不是“造”出来的。

● “形”有两个概念，一是物象之“形”，二是点线之“形”。

● “笔墨”只有在“跳”的过程中才会有节奏感。相近则“平”，去远则“花”。妙在隔步之间也。

●  浑不能厚则脏。笔墨之道妙在一个“揉”字，皴、擦、点、染，浓、淡、干、湿，如同巧妇圈面，非“揉”不能“细劲”，故又有“和面”之谓。

●  有意味，有形式，有虚实，有浓淡，有人意想不到的意蕴，堪称画意。

●  融不进画面的东西，不管是什么，有多么好，都是多余的。

●  焦墨是救画的，不得已而为之。

●  老汤是“通气”的，是没有办法的办法。

●  创作，最难能可贵的是个性的张扬。个性建立在共性的基础之上。

●  创作，是一种不可重复的艺术劳动。

● 一个真正意义上的中国画大家，必须具备天纵的才情和后天持之以恒的努力学习，而且是“技”与“道”全方位的修为，二者合一，得天独厚，方可能进入一种理想的高境地。